INSTRUMENTACIÓN
Historia y transformación del sonido orquestal
Peter JOST
Quién piense que la composición y el análisis se reducen a melodía, armonía, ritmo y estructura, se equivoca. La música actúa de forma igual de intensa con los timbres, la sintonía entre los instrumentos y su carácter, el juego de luz y sombra. En una palabra, la instrumentación. Peter Jost explora el tema de diversas maneras: explica los conceptos fundamentales y presenta la evolución histórica, tratando aspectos sistemáticos como color, simbología, deformación del sonido, efectos espaciales e implicaciones sociológicas. La instrumentación refleja siempre la visión de la música de una época: ¿qué juicios de valor están presentes?, ¿qué ocurre con las reinstrumentaciones?, ¿con qué criterios se puede enseñar la instrumentación? Estos aspectos también se toman en consideración. Con ejemplos y obras seleccionadas, el autor ilustra el modo en que actúa la instrumentación y prepara así la mirada del lector para su propio trabajo con la música. Un libro práctico para estudiantes de dirección y de composición, para profesores y musicólogos, para el estudio autodidacta y la enseñanza

REDUCCIÓN AL PIANO DE LA PARTITURA DE ORQUESTA

Hugo RIEMANN
"Tocar directamente de la Partitura", reducir o ejecutar al piano una partitura, significa ejecutar a vista al piano o al órgano, de una manera mas o menos exacta, una composición escrita para varias partes (voces, instrumentos o ambos combinados). Sin un arreglo, serán contados los casos en los que tal ejecución sea posible. Una preparación para reducir la partitura al piano por tanto, tiene que explicar aquellos principios según los cuales deberíamos actuar en los casos en que no es posible una reproducción exacta; también ha de indicarnos la forma de agrupar apropiadamente en cada caso, para que resulte pianístico lo que se encuentra muy distante o intrincado. Tocar la partitura es siempre improvisar una partitura de piano. Hugo Riemann (1849-1919), musicólogo y pedagogo nacido en Liepzig, estudió música en Sonderhausen y Derecho, Filosofía e Historia en Berlín y Tubinga. Impartió enseñanza musical en la Universidad de Leipzig, Hamburgo, Edimburgo, Roma, Florencia y Londres. La carrera de Riemann partió de su deseo de reformar los métodos de pedagogía musical, empezando por la agogía, el fraseo, la teoría de la armonía, etc. Como historiador de la música fue uno de los primeros en descubrir el valor del Ars nova, en revalorizar la "suite" con variaciones de la escuela de Mannheim, y en publicar libros sobre Historia de la música de inapreciable valor por su sentido crítico y por ser un arsenal de conocimientos históricos, muchos de ellos de primera mano.

ANÁLISIS MUSICAL
Introducción al Análisis Schenkeriano
Allen FORTE / Steven E. GILBERT
Libro de texto para el estudio del Análisis Musical en la vertiente desarrollada por Heinrich Schenker, cuyos conceptos se han tornado indispensables para músicos de todas las tendencias y, por tanto, los estudiosos que requieren un método inequívoco para dominar todas las complejidades de esa potente técnica de análisis. El libro dispone de series de ejercicios sobre temas tratados y facilita al estudiante instrucciones precisas para completarlos con indicios ocasionales sobre dificultades y problemas especiales que puedan contener.

CONTRAPUNTO
Diether de la MOTTE
El autor propone aquí, en el campo del contrapunto, un libro de texto que no impone reglas ni transmite como dogma de fe formas tradicionales, sino que ofrece, a modo de instrucciones, sólo lo que se pueda deducir de las obras maestras musicales y que, siendo de evidencia inmediata para el lector, puede ser asimilado y controlado por éste. Es un manual que no somete a la música a ninguna definición rígida, sino que basa su enseñanza en cómo han compuesto determinados grandes compositores en las diferentes épocas.

ARMONÍA
Diether de la MOTTE
Al tiempo que ofrece su eficaz contribución a la enseñanza de la armonía, uno de los méritos más significativos de esta obra lo constituye, fundamentalmente, la visión histórica que procura su lectura. De la Motte enfatiza su propósito de "promover" la comprensión del aspecto individual que encierra la invención armónica y desarrollar la captación de ésta", lo cual, a su modo de ver, "constituye una de las tareas" más importantes de una enseñanza de la armonía como enfoque artístico.

CONTRAPUNTO
Walter PISTON
Históricamente, existen tres cumbres relevantes en el arte del contrapunto. La primera fue la auténtica polifonía "absoluta" del período gótico, y el elaborado y virtuosístico contrapunto de las escuelas franco-flamencas que le siguieron. La segunda, la música de la última mitad de siglo dieciséis, ejemplificada por Palestrina; mientras que la tercera, la del barroco, está resumida en las obras de Johann Sebastian Bach. El primero de los períodos mencionados ha dejado de ejercer una influencia activa en nuestra música, pero Palestrina y Bach se han convertido en los auténticos símbolos de la polifonía. Una rápida observación de la obra de estos dos autores revela la existencia de dos maneras distintas de aproximación, dos actitudes o estilos contrapuntísticos diferentes. Ambos estilos son de máxima importancia en el desarrollo del arte musical, y el estudio de estos dos tipos de escritura contrapuntística es indispensable para cualquier músico y estudiante de música. Sin embargo, el propósito del presente estudio sólo consistirá en examinar el tipo de técnica contrapuntística que tan bien representa J.S. Bach. Como preparación para el estudio del contrapunto que presentamos en este libro, se da por supuesto que el estudiante tiene un buen conocimiento de los principios de la armonía. Un año de estudio de armonía sería suficiente. El conocimiento de los acordes cromáticos y su uso es útil aunque no necesario. Más importantes son los principios básicos referentes a las funciones tonales y a la conducción de las voces. Las fórmulas y las secuencias armónicas supondrán una valiosa ayuda para organizar las frases.

CONTRAPUNTO CREATIVO
Johannes FORNER/Jürgen WILBRANDT
No se trata, como se ve, de uno más de los innumerables tratados acerca del tema, sino de liberar al contrapunto del carácter primordialmente técnico, es decir, de lo puramente mecánico del trabajo disciplinado y rígido. El contrapunto se estudia aquí como disciplina en sí misma, a diferencia de los libros tradicionales destinados a tratar esta materia, que la planteaban desde el aprendizaje por parte del alumno de una serie de normas, reglas y técnicas que había de reproducir después de sus ejercicios. Los autores intentan reencaminar al alumno hacia la creación propia, abriéndoles así nuevas perspectivas a los estudiantes y profesores de contrapunto. Pero para combatir el peligro que implica la práctica de un contrapunto abstracto, son precisos tanto comprensión como conocimientos sólidos de los grandes desarrollos de la música polifónica. Los estudos de contrapunto vocal con texto o son él, se ven completados con el estudio de la música contrapuntistica instrumental. Desde este punto de vista Johannn Sebastian Bach sigue siendo considerado el modelo por excelencia. La obra se convierte así en punto de referencia imprescindible para alumnos y profesores de escuelas y conservatorios.

ARMONÍA
Walter PISTON
Este texto en lengua española, corresponde a la quinta edición (1987), revisada y ampliada por Mark De Voto, de este clásico tratado de armonía con el que se han formado generaciones de estudiantes de música. El libro presenta, con la mayor brevedad posible, la práctica armónica común de los compositores de los siglos XVIII y XIX. Las reglas se presentan como observaciones informativas, sin intentar justificarlas sobre fundamentos estéticos o como leyes de la naturaleza. Con estos principios se consigue una rápida y lógica comprensión de la materia. Su núcleo trata de forma exhaustiva un curso de armonía tonal, con numerosos ejemplos, la exposición de las distintas tendencias entorno al ritmo armónico, la estructura de la frase musical y los métodos analíticos. La obra se conoce desde hace tiempo como libro de texto introductorio pero, debido a su carácter global, sirve también como libro de consulta tanto de profesores como de alumnos. Walter Piston estudió en la Universidad de Harvard y en París fue alumno de Dukas. De 1944 a 1960 enseñó en la Cátedra de Música W. Naumberg de Harvard. Es uno de los compositores contemporáneos de los Estados Unidos más interpretados y ganó dos premios Pulitzer por sendas sinfonías.

EL CONTRAPUNTO EN LA COMPOSICIÓN
El estudio en la composición de las voces
Félix SALZER/Carl SCHACHTER
Pone el acento no tanto en la disciplina de una ejercitación académica, sino en el objeto mismo de la obra artística en tanto que composición propiamente dicha. Al igual que otros tratados hace uso, aunque con un gran sentido pedagógico en función de su intencionalidad, de las diferentes especies de contrapunto y su combinatoria, pero ello, en última instancia, como trasfondo estructural de una elaboración mucho más enriquecida. Valiosísimo también para el Análisis musical, pero un análisis que pone las bases de lo que pudiera llegar a ser una gramática generativa de la música. Desde la apariencia inicial de un simple tratado de contrapunto, que insiste en las especies y en el Cantus Firmus, se convierte poco a poco no en una interpretación solamente morfológica de los acontecimientos compositivos, sino sobre todo en un planteamiento de carácter sintáctico.

EJERCICIOS PRELIMINARES DE CONTRAPUNTO
Arnold SCHOENBERG
Tratado que tuvo su origen en las clases de contrapunto que Arnold Schoenberg dirigió en la Universidad de California. Para dichas clases, el compositor elaboró numerosos ejemplos que ilustraban todos los aspectos del contrapunto, desde el más simple tratamiento de las especies hasta el preludio coral y la fuga.A Schoenberg siempre le gustó describir su método de trabajo de clase como un "proceder sistemáticamente", es decir, probando por orden todas las soluciones. Esta forma de proceder tiene por meta animar al estudiante a que descubra por sí mismo todas las posibles soluciones o enfoques de un problema dado, en el marco de unos límites cada vez más amplios.

FUNCIONES ESTRUCTURALES DE LA ARMONÍA
Arnold SCHOENBERG
Planteado en principio con propósitos didácticos y con el fin de poner remedio a los débiles conocimientos de armonía de sus alumnos de composición de la Universidad de California, Arnold Schoenberg (1874-1951) redactó entre 1947 y 1948, este libro. Es una de sus más hermosas y singulares contribuciones al estudio de la armonía tonal. Es, además, una de las obras más estimulantes y sugestivas dentro del panorama de la tradición teórico-analítica del siglo XX; sin duda, junto a la obra general de Schenker, la aportación más valiosa. De obligada consulta, útil en el terreno del análisis pero también en el de la interpretación y, por supuesto, en el de la enseñanza. Puesto que estamos seguros de su importancia, nos permitimos recomendar efusivamente su atenta y detallada lectura.

COMPOSICIÓN SERIAL Y ATONALIDAD
Una introducción a la música de Schönberg, Berg y Webern George PERLE
Constituye una eficaz introducción a las características técnicas de un cuerpo de obras que probablemente representa la más ambiciosa y profunda revolución que ha conocido la historia musical desde los comienzos de la polifonía. Ampliamente reconocida como la obra de mayor autoridad en su campo, desde su publicación original en 1962, Composición serial y atonalidad, que cuenta en su original inglés con seis ediciones, es "la mejor descripción que se ha escrito en cualquier idioma de las técnicas dodecafónicas tal y como las desarrollaron sus autores".

TRATADO DE ARMONÍA (I/II/III)
Joaquín ZAMACOIS
El Tratado de Armonía de Zamacois (dividido en tres libros) fue publicado, por primera vez, en 1945 y aún hoy es considerado como un excelente manual de armonía tradicional. Esta materia forma parte del currículo académico actual, desarrollado por la Logse y por tanto siguen totalmente vigentes las enseñanzas plasmadas en los distintos niveles de esta obra.En las Advertencias Previas y el Apéndice que acompaña cada uno de los tres libros de Armonía, el autor refleja de manera muy clara la necesidad y posibilidad de ir más allá, relativizando cuestiones que parecen absolutas, a la vez que dando a conocer otras visiones e interpretaciones de los conceptos mostrados. Así, deja totalmente claro que un tratado de Armonía no es un código de lo musicalmente bueno o malo y por tanto no deben tomarse las reglas que se presentan en él como "dogmas absolutos" sino únicamente como orientaciones y consejos didácticos.Esta obra ofrece la posibilidad de adentrarse en el terreno de la Armonía, entendida como la sucesión de acordes regida por leyes de encadenamiento y resolución, de forma clara en su orientación y eficaz en su aplicación.

TEORÍA GENERAL DE LA MÚSICA
Hugo RIEMANN
Toda obra que quiera orientar en general sobre los diversos sectores musicales, ha de empezar con la aclaración del dominio tonal y la notación musical, y pasar luego al estudio de los intervalos y acordes (armonía) así como a las diversas clases de compases y ritmos, siguiendo a esto la enseñanza de la polifonía (contrapunto e imitación) y finalmente la explicación de las formas musicales históricamente más importantes. También será de utilidad una disertación sobre la riqueza tonal y las particularidades de los instrumentos musicales, entre los cuales se incluirá también la voz humana. Hugo Riemann (1849-1919), musicólogo y pedagogo nacido en Liepzig, estudió música en Sonderhausen y Derecho, Filosofía e Historia en Berlín y Tubinga. Impartió enseñanza musical en la Universidad de Leipzig, Hamburgo, Edimburgo, Roma, Florencia y Londres. La carrera de Riemann partió de su deseo de reformar los métodos de pedagogía musical, empezando por la agogía, el fraseo, la teoría de la armonía, etc. Como historiador de la música fue uno de los primeros en descubrir el valor del Ars nova, en revalorizar la "suite" con variaciones de la escuela de Mannheim, y en publicar libros sobre Historia de la música de inapreciable valor por su sentido crítico y por ser un arsenal de conocimientos históricos, muchos de ellos de primera mano.

ELEMENTOS CONSTITUTIVOS DE LA MÚSICA
Armonía, melodía, contrapunto y forma.
Ernest TOCH
Magistral y original compositor clásico, así como afamado compositor de música para películas, Ernst Toch (1887 - 1964) realizó una imborrable aportación a la música en este importante libro, ampliamente elogiado. Basado en una serie de conferencias pronunciadas en Harvard y publicado ahora por primera vez en idioma español, este libro aporta un brillante examen de los materiales y conceptos que constituyen los elementos básicos de la música: la armonía, la melodía, el contrapunto y la forma. Conciliando, de manera admirable, las tendencias tradicionales o modernas (principalmente dodecafónicas) en la composición, este libro muestra cómo todos los tipos de escritura deben responder a deseos psicológicos del oyente, y cómo pueden lograrse fines similares en estilos aparentemente opuestos. En su estudio, ilustrado mediante 390 ejemplos musicales, Toch no sólo introduce nuevas ideas y enfoques sino que examina con claridad y precisión numerosos problemas inmemoriales como consonancia y disonancia, melodía frente a armonía, contrapunto ornamental y fermentativo, forma frente a número, etc. Sus análisis del universo armónico en expansión, de la línea ondulatoria de la melodía y de la influencia formativa, del movimiento resultan particularmente perspicaces. Esta edición incluye, como novedades, una introducción biográfica a cargo del nieto de Toch, Lawrence Weschler, una carta inédita de Thomas Mann a Toch acerca de su libro y una lista completa de las composiciones de Toch. Pensado para todos aquellos que poseen un mínimo conocimiento de la notación y la teoría musicales, este libro atraerá a melómanos, músicos en ejercicio o aficionados y compositores incipientes.

LA MELODÍA
Ernst TOCH
Para cualquier amante de la música, aficionado o profesional supondrá el descubrimiento de un libro esencial y único. Esencial, en cuanto a que es indispensable para el conocimiento, más que aproximativo del objeto tratado. único por el singular y original enfoque prestado al estudio de los fenómenos melódicos. Por la relativa sencillez y claridad de exposición se presente también como un libro de grata lectura y de fácil asimilación y entendimiento. Su uso puede ser muy provechoso en los centros de enseñanza musical. Hoy en día, la validez de esta obra escrita en 1914 no ha perdido vigencia. Su acierto y verdad estriba en el empeño demostrado por escapar, en cuanto a su discurso interno, a una concreta localización temporal. Si bien el texto de Toch es fruto de una época determinada, su contenida trasciende estilos y fórmulas específicas y. gracias a un esfuerzo de abstracción, se sitúa en unas coordenadas de universidad que favorecen al acercamiento al estudio de la melodía desde presupuestos exclusivamente musicales.

TRATADO DE LA FORMA MUSICAL
Clemens KUHN
Este tratado de formas musicales pretende no sólo hacer comprensibles las conexiones objetivas sino también las históricas,a trabajar con los elementos idealmente más esenciales y, al mismo tiempo, incitar a continuar trabajando con música de forma independiente. El plano general de la descripción lo integran las ideas formales y los principios de construcción formales mismos en sus parentescos o transformaciones históricas y en sus diversas figuraciones formales concretas. Este principio busca profundizar en la esencia y el género de la construcción formal y el pensamiento musical contenido en la misma.

CURSO DE FORMAS MUSICALES
Joaquín ZAMACOIS
Compendio ordenado de conocimientos sobre formas musicales imprescindible para cualquier estudiante de música. De estilo didáctico, totalmente secuenciado, para conducir al alumno, definición por definición ejemplo a ejemplo, de las situaciones más simples y pequeñas a las mas complejas y mayores. Es por tanto, útil para las generaciones actuales, las cuales reciben información referente al concepto de forma musical en etapas mas tempranas de su formación.

FORMAS DE SONATA
Charles ROSEN
Para Rosen, la forma de sonata no es una forma definida, como lo son un minueto, un aria da capo o una obertura francesa, sino que, como la fuga, es una manera de componer, un sentido de la proporción, la dirección y la textura. El autor enfoca muy de cerca el tema y su historia y reconoce lo inadecuado de las definiciones decimonónicas y de los métodos establecidos en la definición de esta forma, que emplean como modelos las obras maestras y las costumbres generales de una época. Rosen prefiere relacionar la forma de sonata con las nuevas condiciones sociales a las que tuvo que enfrentarse en el siglo XVIII y describirle en función del cometido que se esperaba se cumpliese. A fin de establecer un punto de partida, el autor examina los diferentes estereotipos y esquemas predominantes en la segunda mitad del siglo XVIII y rastrea su supervivencia en las formas posteriores. Extiende su estudio hasta nuestros días y esboza los cambios y las diversas transformaciones efectuadas a lo largo de este camino. Formas de Sonata constituye un intento crítico de ver qué se puede salvar de la idea tradicional de la forma de sonata. Charles Rosen ha enseñado, entre otras, en la Universidad de Nueva York, de Princeton, Harvard, Oxford y Chicago.

ANÁLISIS DEL ESTILO MUSICAL
Jan LA RUE
El autor pretende, a través del análisis del estilo musical, acercar al lector a la obra de creación, descubriendo a través de sus distintos elementos, su originalidad y su vivencia particular. Esta obra muestra un camino para comprender la naturaleza de la forma del movimiento musicales, y las diversas facetas de la experiencia musical. Plantea un análisis global del estilo musical en el que intervienen todos los elementos, para dar a la composición el valor de algo integrado y coherente. Este enfoque amplio, ambicioso, no se limita al análisis armómico-tonal al uso, sino que tiene en cuenta la totalidad de los fenómenos que participan en la configuración orgánica de la línea de tensiones general. El proceso que sigue LaRue es de una lógica aplastante, observando con precisión los aspectos sobresalientes de los distintos componentes del lenguaje musical, desde lo más general a lo particular. Así nos lleva a dilucidar la influencia que tienen en la configuración del estilo, el sonido (y dentro de él, el timbre, la intensidad, los matices y los tipos de textura), la armonía, la melodía, el ritmo y el crecimiento. Jan LaRue es profesor del Departamento de Música de la Universidad de Nueva York.